Kunstgeschichte im Überblick

Trotz der ordensbedingten Schlichtheit in Baukunst und Ausstattung bestechen die mittelalterlichen Kirchen- und Klostergebäude des Zisterzienserordens durch Größe und Erhabenheit. Der Kunsthistoriker Dr. Frank Henseleit präsentiert ausgewählte Sakralbauten und Kunstschöpfungen der "weißen Mönche" aus Portugal, Frankreich und Deutschland - u. a. so berühmte Klöster wie Clairvaux, Maulbronn oder Ebrach.

Pablo Picasso (1881-1973), ein hochbegabter und virtuoser Maler, war mit allen wichtigen aktuellen und vergangenen Kunstströmungen vertraut. Mit 26 Jahren zog er sich für ein Jahr in sein Atelier zurück, um für das beginnende 20. Jahrhundert, das so andersartig war als alle Jahrhunderte davor, eine vollständig neue, unerhörte und moderne Kunstsprache zu erfinden: den Kubismus. Der Vortrag beleuchtet Picassos gesamtes malerisches Schaffen, das geprägt ist von ständigen Neuerfindungen und Umbrüchen.

Mit dem Franziskanerorden sind grandiose Sakralbauten verbunden: So findet sich in der Basilika San Francesco in Assisi ein bedeutender Freskenzyklus aus der Schule des Giotto. Die berühmte Frarikirche in Venedig gehört zu den größten und wichtigsten gotischen Sakralbauten der Lagunenstadt mit zwei Hauptwerken Tizians sowie Exponaten von Giovanni Bellini und Donatello. Daneben werden in diesem Vortrag auch andere von den Franziskanern in Auftrag gegebene Bauwerke wie die Basilika Santa Croce in Florenz und San Damiano in Assisi vorgestellt.

Das Zeitalter der Gotik begann in der Mitte des 12. Jahrhunderts und endete um 1500, in einigen Ländern auch schon früher. Die Entwicklung von Spitzbögen und Strebesystemen führte zu einer völlig neuen Baukunst: Die Kathedralen mit eindrucksvollen Lichteffekten, filigranem Mauerwerk und enormen Höhen ließen die Gebäude als himmlisches Jerusalem erscheinen. Auch in der Skulptur und Malerei wurden ausdrucksstarke Werke geschaffen.

Im 19.Jahrhundert veränderte sich das Leben der Menschen und die Kunst durch politische Umbrüche, Industrialisierung und Erfindungen. Bereits um 1800 legten C. D. Friedrich oder Goya mit neuartigen Bildern den Grundstein einer modernen Kunsttheorie. Es entstand die moderne Großstadt, Ausstellungen brachten die Welt nach Europa und die Fotografie forderte die Malerei heraus. Schließlich revolutionierten Künstler wie Cézanne, van Gogh oder Gauguin die Kunst und prägten die Malerei bis in die 60er Jahre des 20.Jahrhunderts.

Wir beginnen mit einem kurzen Überblick über die allerersten Male in der Malerei von der Antike bis zum Mittelalter. Anschließend blicken wir auf einen speziellen Heiligen und auf Giotto um 1300, denn Giotto di Bondone sah und malte vieles neu. Dies machte ihn zum ersten Star der neueren Kunstgeschichte. Was allerdings auch Giotto noch nicht schuf, waren Portraits. Sie gab es zwar schon in der Antike, dann aber lange nicht mehr. Hier erfahren Sie, warum das so war und wieso sie dann später wieder zum „ersten“ Mal entstanden.

Dieser Streifzug durch die Kunstgeschichte führt uns von den „Gewandstatuen“ der Antike bis zu den Kleidern in der Kunst des 21. Jahrhunderts. Dabei geht es um mehr als um Äußerlichkeiten – etwa um das Verständnis des Göttlichen, Standeszugehörigkeit oder Individualität. Kunst und Mode beeinflussen sich gegenseitig: z. B. die Darstellung der Madonna in der höfischen Mode der Auftraggeberzeit, Dürer mit langen Locken, Kleopatra auf einem Rokokogemälde im „Look“ der Renaissance oder das Design Yves Saint Laurents im Stil von Piet Mondrians Kunst.

Dieser Streifzug durch die Kunstgeschichte führt uns von den „Gewandstatuen“ der Antike bis zu den Kleidern in der Kunst des 21. Jahrhunderts. Dabei geht es um mehr als um Äußerlichkeiten – etwa um das Verständnis des Göttlichen, Standeszugehörigkeit oder Individualität. Kunst und Mode beeinflussen sich gegenseitig: z. B. die Darstellung der Madonna in der höfischen Mode der Auftraggeberzeit, Dürer mit langen Locken, Kleopatra auf einem Rokokogemälde im „Look“ der Renaissance oder das Design Yves Saint Laurents im Stil von Piet Mondrians Kunst.

Das Licht in der Malerei scheint eine Selbstverständlichkeit zu sein, seine Abwesenheit zu malen, war dagegen eine große Herausforderung. Die ersten Nachtdarstellungen und die ersten Schatten (Schlagschatten, genauer gesagt) wurden eingeführt, um die Geschichten der Bibel realistischer und eindringlicher schildern zu können. Mit der Einführung der Zentralperspektive wurde den Künstlern eines der wichtigsten Werkzeuge an die Hand gegeben. Sie war einer der Grundpfeiler der Renaissance: Wurde sie erfunden oder entdeckt? Und vom wem?

In der alten Malerei wurden Blumen häufig ins Bild gesetzt, um Bedeutungen zu transportieren oder zu verstärken. Diese Symbolsprache reicht von den Blumen als Passions- und Tugendsymbolen in Altar- oder Andachtsbildern bis zum Blumenschmuck im Brautporträt. Freuen Sie sich auf einen blütenreichen, informativen Rundgang zu den Originalen der Alten Pinakothek und entschlüsseln Sie mit der Bildwissenschaftlerin und Kunsthistorikerin Dr. Angela Opel die Sprache der Blumen.

Philosophisch-religiöse Veränderungen der Renaissance wirkten sich auf die Kunst und Künstler aus. Sie errangen eine neue Stellung in der Gesellschaft, ein neues Selbstbewusstsein, das sie jetzt auch durch Selbstportraits dokumentierten. Durch die wissenschaftliche und künstlerische Hinwendung zur Natur hält die Landschaftsmalerei Einzug in die Geschichte der Kunst – ein neues Genre entsteht. Und ein altes, schon in der Antike auf vielerlei Art genutztes Genre, wird wiederentdeckt: das Stillleben.

Kunst anschauen ist schön, Kunst verstehen noch besser! Dieses Seminar bietet Ihnen einen leichten Einstieg in die Auseinandersetzung mit Kunst. Warum sind Bauwerke, Bilder und Skulpturen unterschiedlicher Epochen wie Romanik, Gotik oder Barock so verschieden? Wir zeigen Ihnen, worauf Sie achten müssen und schärfen Ihren Blick für Stilunterschiede bei der Betrachtung von Kunst und Architektur.

Geschwindigkeit und Malerei scheinen sich gegenseitig auszuschließen. Aber die illusionistische Darstellung von Geschwindigkeit ist ein exzellentes Beispiel für genaue Beobachtungsgabe und ihre Umsetzung – ein oft übersehener Meilenstein in der Malerei. Ein weiterer Meilenstein ist die Erfindung der Fotografie. Mit ihr erreichte die Malerei ein lang verfolgtes Ziel und öffnete ihr gleichzeitig neue Wege. Mit der Abstrakten Kunst überschritt die Malerei schließlich die Grenzen des Darstellbaren. Warum? Und warum erst jetzt?

Nacktsein ist nie einfach. Die Führung in der Alten und Neuen Pinakothek mit Elias Neuhaus spürt diesen Spannungsfeldern nach. Zwischen Sinnlichkeit und Scham, Ideal und Identität begegnen sich Meister wie Lucas Cranach d. Ä., Rubens und Rodin. Ihre Werke erzählen, wie sich über Jahrhunderte der Blick auf den Körper verändert hat – vom religiösen Gleichnis über das barocke Ideal bis zur modernen Körperwahrnehmung. Eine Einladung, Nacktheit neu zu betrachten – jenseits von Tabu und Voyeurismus, mit feinem Gespür für die Ambivalenzen des Sehens.

1874 fand in einem ehemaligen Fotostudio in Paris eine kleine Ausstellung statt, die zu einer der folgenreichsten der Kunstgeschichte werden sollte. Hier präsentierten die später so genannten Impressionisten ihre Werke erstmals der Öffentlichkeit. Doch wie kam es dazu? Was haben Monet, Renoir, Degas und die anderen ausgestellt und was hatte es mit dem Begriff Impressionismus auf sich? Lernen Sie den Impressionismus als einen Ausdruck seiner Zeit kennen, als die Künstler noch keine Größen des internationalen Kunst- und Kitschmerchandising waren.

Die Impressionisten übten – obwohl lange vom „offiziellen“ Kunstbetrieb verschmäht – großen Einfluss sowohl auf zeitgenössische wie auch nachfolgende Künstler aus. Viele ihrer Ideen wurden übernommen und Künstler wie Georges Seurat, Paul Cézanne, Paul Gaugin, Vincent van Gogh u.a. entwickelten daraus ihre eigenen Ideen, die wiederum neue Richtungen auftaten. So wurde der Impressionismus zur Grundlage vieler Strömungen, die den künstlerischen Beginn des 20. Jahrhunderts bestimmten - und Protagonisten wie Monet und Renoir mischten immer noch mit.

Graffiti erfuhr im Laufe der Geschichte einen Bedeutungswandel. Für die einen ist es Kunst umsonst und draußen, für die anderen Vandalismus. In München machten Graffitikünstler Anfang der 1980er Jahre erstmals auf sich aufmerksam und besprühten u.a. den ersten europäischen Wholetrain. Heute hat die Stadt auch legale Freiflächen, die Wandmalereien/Pieces, Writings/Tags, Aufkleber und Papierarbeiten wie Schablonen/Stencils und Cut Outs zeigen. Wir erkunden die aktuelle Szene im Schlachthofviertel und unternehmen einen Abstecher zur "Alten Utting".

Wir entführen Sie in die herrliche Vielfalt der abendländischen Kunst und zeigen Ihnen, woran Sie erkennen, welchem Stil ein Kunstwerk zuzuordnen ist. Zugleich lernen Sie dessen Geschichte, Aussage und tiefere Bedeutung kennen. Dabei stehen je nach Epoche Malerei, Plastik oder auch Architektur im Mittelpunkt - mit interessanten Einblicken in das Leben der Künstler*innen, in die europäische Geschichte und Kultur. Nach diesem Seminar können Sie Meisterwerke und Stilepochen zuordnen und leichter mitreden, wenn es um Kunst und Kultur geht.

Das Zeitalter der Gotik begann in der Mitte des 12. Jahrhunderts und endete um 1500, in einigen Ländern auch schon früher. Die Entwicklung von Spitzbögen und Strebesystemen führte zu einer völlig neuen Baukunst: Die Kathedralen mit eindrucksvollen Lichteffekten, filigranem Mauerwerk und enormen Höhen ließen die Gebäude als himmlisches Jerusalem erscheinen. Auch in der Skulptur und Malerei wurden ausdrucksstarke Werke geschaffen.

Die Renaissance war ein Paukenschlag: Sie öffnete die Tore für neue Wege in Kunst, Wissenschaft und Philosophie, die von genialen Zeitgenossen wie Michelangelo, Leonardo da Vinci oder Raffael mutig beschritten wurden. Sie ließen die Gotik hinter sich, entdeckten die Werke und Ästhetik der Antike für sich und schufen Meisterwerke voller Energie und Kraft. Eine Epoche von hinreißender Schönheit, die Sie begeistern wird.

Wir entführen Sie in die herrliche Vielfalt der abendländischen Kunst und zeigen Ihnen, woran Sie erkennen, welchem Stil ein Kunstwerk zuzuordnen ist. Zugleich lernen Sie dessen Geschichte, Aussage und tiefere Bedeutung kennen. Dabei stehen je nach Epoche Malerei, Plastik oder auch Architektur im Mittelpunkt -- mit interessanten Einblicken in das Leben der Künstler*innen, in die europäische Geschichte und Kultur. Nach diesem Seminar können Sie Meisterwerke und Stilepochen zuordnen und leichter mitreden, wenn es um Kunst und Kultur geht.

Die Ära des Barock war eine Zeit der opulenten Inszenierungen: Der erste Akt spielte in Rom, wo die Päpste im Rahmen der Gegenreformation Gott und sich selbst verherrlichen ließen. Am Hofe des Sonnenkönigs Ludwig XIV. wurde mit barocken Bauwerken, Musik, Kunst und prächtigen Festen geprotzt, während die Niederlande ihr Goldenes Zeitalter erlebte. Der Spagat zwischen Lebenslust und Todesfurcht spornte Künstler wie Rubens, Caravaggio oder Rembrandt zu wahren Meisterwerken an -- voller Intensität, dramatischer Lichteffekte und Theatralik.

Das Seminar untersucht die Kunst des Klassizismus und der Romantik im 18. und 19. Jahrhundert. Wir beleuchten zentrale Werke und Künstler beider Strömungen, analysieren die Rückbesinnung auf die Antike sowie die emotionale, subjektive Bildsprache der Romantik. Anhand von Malerei, Skulptur und Architektur werden ästhetische Ideale, politische Bezüge und gesellschaftliche Entwicklungen dieser Epochen reflektiert.