Die steinzeitlichen Felszeichnungen der San oder Terrakotta Skulpturen der Nok sind lange vor Christi Geburt entstanden, der hochentwickelte, kunstsinnige Bronzeguss in den Königreichen Ife und Benin nach 1000 n. Chr. oder die Architektur der Shona: Afrika südlich der Sahara weist ein reiches Erbe von Hochkulturen auf. Dieser erste Vortrag der Reihe „Kunstgeschichte Afrikas“ gibt einen Einblick in die technische Meisterschaft und philosophische Tiefe der verschiedenen Regionen und Epochen.

Nkisi-Figuren, bis vor Kurzem noch „Fetische“ genannt, sind ein gutes Beispiel, wie sich die christliche Kunst der Missionare in die Bildwelten Afrikas einschrieb und wie solche Begegnungen zu ganz eigenen Ausdrucksformen führten und auch heute noch führen. Der zweite Vortrag der Reihe „Kunstgeschichte Afrikas“ verfolgt künstlerische Entwicklungen zwischen lokalen, indigenen Traditionen und globalen Einflüssen, die bis heute die kreative Produktion in Afrika südlich der Sahara wesentlich prägen.

Mit der erkämpften Unabhängigkeit seit den 1950er Jahren wird für die Künstler*innen in Subsahara-Afrika die Rolle der Kunst für eine „afrikanische Zukunft“ immer relevanter. Sie suchen neue Wege zwischen einer zunehmend globalen, europäisch geprägten Moderne und einem neuen Afrozentrismus oder Panafrikanismus. Der Vortrag zeigt beispielhafte Positionen für diese künstlerische Auseinandersetzung an ausgewählten Künstlern wie z.B. El Anatsui auf.

Die zeitgenössische Kunstszene in Subsahara-Afrika gilt als die vitalste der Welt. Nicht nur in den Metropolen führt gerade der Kontakt zwischen lokalen Szenen und der internationalen Diaspora zu neuen Stimmen im Konzert der zeitgenössischen Kunst. Oft kollaborativ organisiert und in den Alltag eingebettet entstehen unverwechselbare Schöpfungen. An aktuellen Kunstwerken v.a. aus Ghana, Südafrika und Kenia werden Positionen, die auf Biennalen und der documenta Furore machten, aufgezeigt.

Wie können wir Werke zeitgenössischer Kunst wahrnehmen und sie verstehen? Vor allem, wenn sie Ansprüche stellen, fremd sind – vielleicht sogar verstören? Die Kunstwissenschaft hat Methoden entwickelt, die helfen, eine Begegnung mit solchen Werken fruchtbar zu machen. Der Kurs vermittelt solche Methoden und erprobt sie bei drei Museumsbesuchen an ausgewählten Originalen: Im Lenbachhaus, dem Museum Brandhorst und der Pinakothek der Moderne.

Dachau lockte ab der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts mit seiner reizvollen Lage und der Schönheit des großen Moores Landschaftsmaler*innen und Impressionist*innen aus dem In- und Ausland an. Hier entstand neben Worpswede die bedeutendste Künstlerkolonie Deutschlands – international vernetzt und europaweit bekannt. Die Dachauer freuten sich über die Kunstschaffenden. Es entstand ein reger Austausch, der zur kulturellen Blüte Dachaus führte als „München leuchtete" (Thomas Mann, 1902). So erstrahlte auch der Markt Dachau dank der Künstlerkolonie.

Die Fraueninsel im Chiemsee bezaubert durch ihre besondere Schönheit, die alte Benediktinerinnenabtei, das Wasser, das Licht und die umgebende Landschaft – einschließlich der aufragenden Berge. Nachdem der Münchner Kunstprofessor Max Hausdorfer (1811–1866) schon in jungen Jahren diesen Ort lieben lernte, begründete er die Künstlerkolonie Frauenchiemsee. Ihm folgten zahlreiche Künstler*innen und verewigten u.a. die kleinen Fischerhäuser mit ihren blumenreichen Gärten auf ihren Gemälden. So wurde der Chiemsee weit über Bayerns Grenzen hinaus berühmt.

Der Blaue Reiter war eine der bedeutendsten Strömungen der europäischen Malerei im frühen 20. Jahrhundert. Eine zentrale Rolle spielte dabei das malerische Murnau südlich von München – nah an Seen und Bergen. Ab 1908 schufen hier die Künstlerpaare Gabriele Münter und Wassily Kandinsky sowie Marianne von Werefkin und Alexej Jawlensky Kunstwerke, experimentierten mit Techniken, Farbwahl und Pinselduktus, Bildaufbau und Komposition. So wurde Murnau zu einem wichtigen Ort für die künstlerische Entwicklung der Künstler*innen des Blauen Reiters.

Picasso, Warhol, Beuys, Bauhaus: Münchens Museen bieten einen reichen Schatz mit repräsentativen Ausstellungen zur modernen Kunst. Pinakothek der Moderne, Museum Brandhorst, Die Neue Sammlung - The Design Museum zeigen uns jedoch ganz unterschiedliche Blicke auf die Kunst seit 1900. Der Kurs des Kunstpädagogen und Kunsthistorikers Dr. Ernst Wagner besucht diese Museen und macht anhand ausgewählter Werke den jeweiligen Blick auf die Moderne deutlich.

Immer wieder greifen moderne Künstlerinnen und Künstler auf überlieferte, klassische Kunstformen zurück: Ikonen beeinflussen Andy Warhol, Rokoko-Gemälde spielen für Jeff Koons eine wichtige Rolle, El Greco beeinflusste den Expressionismus. Die Führung in der Alten Pinakothek macht sich auf die Spuren solch inspirierender Quellen für die Moderne und erklärt nicht nur die damit verbundenen Transformationsprozesse, sondern bietet auch einen neuen Zugang zur aktuellen Kunst.

Es gibt kaum Maler, die die moderne Kunst so geprägt haben wie drei Künstler des späten 19. Jahrhunderts: Cézanne, van Gogh, Gauguin. Aber auch der Romantiker Caspar David Friedrich erlebt heute eine unerwartete Renaissance. Die Führung in den Beständen der Neuen Pinakothek erkundet wichtige Inspirationsquellen für die Moderne und erschließt so einen Zugang zur zeitgenössischen Kunst, wofür die Seelenverwandtschaften mit dem 19. Jahrhundert wichtige Einblicke gewähren.

Seit dem frühen 20. Jahrhundert prägen Impulse aus fernen Ländern die moderne Kunst auf entscheidende Weise. Die Führung im Museum Fünf Kontinente zeigt an Beispielen aus der Sammlung auf, wo und wie Künstler wie Picasso, Klee oder Kandinsky dort ihre Inspirationen holten. Aber auch jüngere Künstler von Jackson Pollock bis Baselitz schöpfen aus diesem Repertoire unvertrauter Bildwelten und finden so zu revolutionären Ausdrucksweisen.