Übergreifendes Thema des Kurses ist Russland. Wir blicken aus unterschiedlichen Perspektiven auf dieses Land, befassen uns nicht nur mit der Geschichte Russlands seit dem 10. Jahrhundert und der Weltpolitik seit dem Zerfall der Sowjetunion bis zu aktuellen Kriegen und geopolitischen Konstellationen. Wir betrachten auch die Literatur und Kunst Russlands und der Sowjetunion im 19. und 20. Jahrhundert – aus der Vielfalt der Aspekte ergibt sich ein differenziertes Bild auf diesen östlichen Nachbarn. Der Kurs ist in vier Themenblöcke mit je vier Terminen gegliedert. Nähere Informationen zu den Inhalten finden Sie beim jeweiligen Kursteil unter "mehr Infos".

Der Kurs ist in vier Themenblöcke mit je vier Terminen gegliedert. Nähere Informationen zu den Inhalten finden Sie beim jeweiligen Kursteil unter "mehr Infos".

Der Kurs ist in vier Themenblöcke mit je vier Terminen gegliedert. Nähere Informationen zu den Inhalten finden Sie beim jeweiligen Kursteil unter "mehr Infos". Der Kurs wird hybrid durchgeführt, es ist sowohl Präsenz- als auch Online-Teilnahme möglich. Wenn Sie wahlweise in Präsenz und Online am Kurs teilnehmen möchten, wählen Sie bei der Buchung bitte "Präsenz" im Warenkorb (Sie erhalten dennoch die Zugangsdaten für eine Online-Teilnahme). Die Teilnahmeart "Online" ist für eine ausschließliche Online-Teilnahme über Webex Meetings gedacht.

Der Kurs beschäftigt sich mit dem 16. Jahrhundert, einem Zeitalter großer politischer und gesellschaftlicher Umbrüche, geprägt von Religionswirren und der allmählichen Entstehung des Absolutismus. In der Folge entwickelte sich im 17. Jahrhundert, von Rom ausgehend, ein neuer Kunststil: das Barock. Sowohl Malerei als auch Architektur trugen mit neuen Stilen, neuen Bildinhalten und neuen Bauaufgaben diesen Entwicklungen Rechnung. Die barocke Kunst gilt als Kunst der Gegenreformation und des Absolutismus.

Michelangelo Caravaggio war der erste Maler des Barock. Artemisia Gentileschi war die bedeutendste Malerin dieser Epoche. Beide waren schon in ihrer Zeit weltberühmt. Sie verbindet ein sehr ausdrucksvoller, hochdramatischer Stil, in dem biblische Themen mit großer emotionaler Intensität umgesetzt werden, sowie eine sehr expressive Malerei mit starken Hell-Dunkel-Kontrasten und großem Realismus.

Als die hochbegabte und intellektuelle Fotografin und Malerin Dora Maar 1936 Pablo Picasso in einem Pariser Café kennenlernte, hatte sie sich bereits als surrealistische Fotografin einen Namen gemacht, war in der Werbung erfolgreich und kannte „Tout Paris“. Sie war bis 1943 seine Muse und Geliebte und fotografierte unter anderem Picassos Arbeit an dem Bild „Guernica“. In Picassos Bildern taucht sie immer wieder als „Weinende Frau“ auf und wird zu einer Symbolfigur der düsteren Zeit des Faschismus' und des Krieges.

"Die Malerei, die so lange in ihrer goldenen Gruft in einem gläsernen Sarg geschlafen hat, wird gebeten, herauszukommen und schwimmen zu gehen, man gibt ihr eine Zigarette, eine Flasche Bier“, so Claes Oldenburg 1965. Seit Beginn des 20. Jahrhunderts wurden die Vereinigten Staaten zu einer der führenden politischen und wirtschaftlichen Mächte, nach dem Zweiten Weltkrieg wurde auch die amerikanische Kunst führend. Entsprechend den gewaltigen gesellschaftlichen Umbrüchen entwickelte die Kunst neue Themen und neue Formen. Im Seminar werden die Entwicklung der amerikanischen Kunst und amerikanische Mythen beleuchtet.

Niki de Saint Phalle und Jean Tinguely waren nicht nur privat ein Paar. Sie arbeiteten über Jahre hinweg auch an gemeinsamen Projekten. So schuf 1966 Niki de Saint Phalle für eine Ausstellung in Stockholm eine riesige, begehbare Nana mit dem Titel „Hon – en kathedral“ (Sie – eine Kathedrale). Der Bildhauer Tinguely steuerte bewegte Objekte aus Maschinenteilen bei. Berühmte Gemeinschaftsarbeiten der beiden sind darüber hinaus der „Strawinksi-Brunnen“ vor dem Centre Pompidou in Paris und der „Giardino dei Tarocchi“ in der Toskana.

Als Fest der Inkarnation, der "Fleischwerdung" Gottes, ist das Weihnachtsfest auch das Fest der Verbildlichung Gottes im Christentum. Das Abstrakte wird personell konkret und wurde im Laufe der Kunstgeschichte mit Werken, die etwa die Krippe von Bethlehem oder die Anbetung der Könige zeigen, vielfach ins Bild gesetzt. Eine Kunsthistorikerin und ein Theologe betrachten gemeinsam bekannte Werke und überlegen, welche theologischen Linien die Künstler*innen nachzeichnen wollten.

Vor genau einem Jahr wurde die Kathedrale Notre Dame in Paris feierlich wiedereröffnet. Wir begeben uns digital mit kunsthistorischem sowie theologischem Blick auf Spurensuche in der neu gestalteten Kirche und versuchen die Kunstwerke und den Raum auf diese Weise zu verstehen und zu entschlüsseln.

Die Medici waren nicht nur erfolgreiche Bankiers und Politiker, sie waren auch große Förderer der Künste. Verbunden mit dem Mäzenatentum erkannten sie früh das Potential, mit Kunst Öffentlichkeitsarbeit zu betreiben, ein „Image“ zu schaffen. Prachtvolle Bauten demonstrierten ihre Macht und ihre Präsenz in Florenz. Im Medium des Bildes wurden Visionen der zukünftigen Rolle der Medici als Fürsten von Florenz entworfen.

Die Zeit um 1800 war eine Zeit fundamentaler Veränderungen: Durch die Industrialisierung und Französische Revolution war die Alte Welt in kürzester Zeit verschwunden. Der Vortrag betrachtet Künstler wie Jacques Louis David, die sich in den Dienst der Revolution stellten und mithelfen wollten, eine andere, bessere Welt aufzubauen. In Ablehnung der Kunst des Ancien Régime, die als dekadent empfunden wurde, schafft David eine neue Kunstsprache und versucht mithilfe der Kunst, die Ideale der Französischen Revolution zu vermitteln.

„Ein Rennwagen, dessen Karosserie große Rohre schmücken, die Schlangen mit explosivem Atem gleichen (...) ist schöner als die Nike von Samothrake.“ 1909 erschien das futuristische Manifest, in dem eine neue Kultur gefordert wird, die der Geschwindigkeit der modernen Welt Rechnung trägt. Der Futurismus war eine einflussreiche Kunst- und Lebensreformbewegung, die von Italien ausgehend, Künstler in ganz Europa beeinflusste.

Pablo Picasso (1881-1973), ein hochbegabter und virtuoser Maler, war mit allen wichtigen aktuellen und vergangenen Kunstströmungen vertraut. Mit 26 Jahren zog er sich für ein Jahr in sein Atelier zurück, um für das beginnende 20. Jahrhundert, das so andersartig war als alle Jahrhunderte davor, eine vollständig neue, unerhörte und moderne Kunstsprache zu erfinden: den Kubismus. Der Vortrag beleuchtet Picassos gesamtes malerisches Schaffen, das geprägt ist von ständigen Neuerfindungen und Umbrüchen.

Die Digitalisierung verändert die Mittel und Ausdrucksmöglichkeiten der Kunst, aber möglicherweise auch den Kunstbegriff selbst. Im Vortrag fragt die Kunsthistorikerin Dr. Dorothée Siegelin: Wie verändert sich die Sprache der Kunst, welche neuen Formen von Kunst entstehen, wie reagieren Künstler auf eine Welt, die gerade im Umbruch begriffen ist? Stehen die alten Begriffe von Handwerklichkeit und Originalität, die man immer mit Kunst verbunden hat, in Frage? Und sind diese Entwicklungen vollständig neu?

Berlin bedeutet Vielfalt, Schönheit und Brüche. Keine andere deutsche Stadt spiegelt so unmittelbar deutsche Geschichte wider. Potsdam wurde von Friedrich dem Großen als zweite Residenz und als Rückzugsort gegründet. Es liegt in einer einzigartigen Schlösser- und Seenlandschaft. Die Kunsthistorikerin Dr. Dorothée Siegelin, die in München und Berlin lebt und arbeitet, stellt Ihnen beide Städte vor. Egal ob zur Reisevorbereitung oder zur Auffrischung und Ergänzung aktueller Informationen: Sie sind herzlich eingeladen!

Es ist die wohl berühmteste und eine der imposantesten Kirchen der Welt: Wir begeben uns digital mit kunsthistorischem sowie theologischem Blick auf Spurensuche in den Petersdom und versuchen die Kunstwerke und den Raum zu verstehen und zu entschlüsseln. Dabei werden auch Fragen rund um die Bedeutung von Petrus für die Kirche und rund um das Papsttum einen Raum finden.

Bilder erzählen unendlich viel: über sich, die Zeit, in der sie gemalt wurden, und über uns. Und dennoch ist es schwierig über Malerei zu sprechen. Durch die Analyse berühmter Bilder, u.a. "Das Gewitter" von Giorgione und van Goghs "Sonnenblumen", werden Methoden erarbeitet, wie sich auch kunsthistorisch wenig versierte Liebhaber*innen Bildern nähern können. Wir besprechen Fragen, die man Bildern stellen kann, und stellen Annäherungsweisen an Kunstwerke vor, ergänzt durch einen "Werkzeugkasten moderner Kunst". Bei einem Besuch im Buchheim Museum wird geübt.